FILMES

Finais de filme mais assustadores

 

The Blair Witch Project


Heather Donahue em The Blair Witch Project Fotografia: Cinetext/Pathe/Allstar

Será que mais de duas décadas de filmes de terror atenuaram ainda mais o impacto de The Blair Witch Project, que muitas pessoas já consideravam chato e nada assustador em 1999? Talvez, mas não para mim. Não posso afirmar que vi Blair Witch cedo o suficiente para confundir sua convincente configuração de documentário falso com a realidade, mas consegui pegá-lo antes que atingisse um público amplo o suficiente para inspirar inúmeras piadas e paródias (só posso imaginar o brega memes que teríamos de suportar se saísse hoje), e ficou comigo desde então. Só preciso pensar em seu tiro final e estremeço.

O estilo de filme portátil e conversacional, seguindo um grupo de documentaristas que se perde na floresta de Maryland enquanto faz um filme sobre uma lenda local assustadora, se transforma em um show de terror naturalista, onde cada farfalhar de galhos provoca ansiedade. Ele constrói uma imagem magnificamente evocativa, perturbadora, mas simples: Heather (Heather Donahue) encontrando seu amigo Mike (Michael Williams) no porão de uma casa abandonada, parada em um canto, olhando tristemente para a parede, combinando com a descrição de décadas. – vítimas de assassinato anteriores do início do filme. Então, é claro, algo invisível ataca a pessoa que segura a câmera e a corta. Todos os filmes de terror encontrados desde então terminaram mais ou menos da mesma maneira, e nenhum com esse nível de poder de permanência do terror popular elementar. Jesse Hassenger

Get out

A cena final em Get Out ainda me dá arrepios. Chris está ensanguentado, mas respirando – mas também está Rose, sua agora ex-namorada. E quando um carro da polícia se aproxima de sua casa com as luzes piscando, assim que ela reencontrou suas forças, naturalmente, presumo o pior: esse homem negro que se esforçou tanto para ser um bom hóspede da casa vai cair por assassinar a esposa de Rose. família inteira.

Quando o melhor amigo Rod surge para salvar Chris e deixar Rose sangrando, a maioria deu um suspiro de alívio e voltou para casa feliz. Mas eu não; Eu sabia que não era assim que deveria acontecer. O diretor Jordan Peele lançou mais tarde um final alternativo que não apenas mostrava Chris levando a culpa, mas também aparecendo derrotado em um macacão laranja atrás de um vidro enquanto dizia a Chris, trabalhando diligentemente para libertá-lo, que é uma causa perdida. Essa é a parte que me assusta: a verdade que ficou de fora. Andrew Lawrence

Don’t Look Now


Donald Sutherland em Don’t Look Now. Fotografia: Studiocanal/Allstar

No marco avant-horror de Nicolas Roeg, um enlutado Donald Sutherland é perseguido por Veneza por uma figura sombria com a mesma jaqueta vermelha que sua falecida filha usava quando se afogou. Ele alcança seu perseguidor na cena final, apenas para descobrir que ela é uma anã idosa e que seus sonhos recorrentes eram na verdade premonições de seu próprio assassinato nas mãos dela. Além do terror petrificante inerente a uma revelação tão impossível de antecipar que beira o non sequitur – acontece que é verdade o que dizem sobre nada ser mais assustador do que o desconhecido – o colapso do tempo adiciona uma camada maior de desconforto. Quão longe no futuro nosso profeta relutante pode ver? Na fisionomia enrugada de seu assassino, ele pode ter um vislumbre da vida que seu filho nunca teve a chance de viver, sua mortalidade ligada à dela. É o monstro que espreita no final de cada história: todo mundo morre. Carlos Bramesco

Enemy

Jake Gyllenhaal em Inimigo. Fotografia: Caitlin Cronenberg/Pathe/Allstar

Eu realmente nunca tive a oportunidade de desenvolver uma fobia de aranhas. Crescer como o único homem em minha casa significava que sempre fui chamado como despachante oficial, desenvolvendo uma estranha forma de intimidade que me levou a sentir pena, em vez de medo, pelas coisas. Mas qualquer vaga simpatia que eu pudesse ter foi instantaneamente vencida na cena final de tirar o fôlego do misterioso e elíptico thriller de Denis Villeneuve, Enemy.

É um filme que nos mantém na escuridão em sua maior parte, uma pequena curiosidade opaca sobre dois homens idênticos, interpretados por Jake Gyllenhaal, explorando seus desejos mais espinhosos, mas nunca é menos do que desconfortavelmente atraente, mesmo quando estamos lutando para juntar as peças. um quebra-cabeça com várias peças faltando. Um que recebemos, mas não temos certeza do que fazer, é um motivo recorrente da aranha, visto em um clube de sexo perturbador antes de pairar sobre a cidade em um sonho estranho. Nos momentos finais, com um raro susto conseguido sem batota, um dos nossos duplos abre a porta do quarto e encontra uma tarântula gigante que, num movimento que ainda me persegue, recua instintivamente como se estivesse prestes a atacar. Em vez disso, Villeneuve permanece no rosto de Gyllenhaal antes de escurecer, puxando-nos, como ele, até o limite e, em seguida, cruelmente nos deixando lá. Benjamim Lee

Dressed to Kill

Michael Caine e Nancy Allen em Vestida para Matar. Fotografia: ScreenProd/Photononstop/Alamy

Situado na era de Ed Koch em Manhattan, uma névoa sensual paira sobre o chique e erótico slasher de Brian De Palma, Dressed to Kill, lembrando-nos de uma época em que Nova York parecia emocionantemente não sintética. Somos jogados em um dia na vida da glamorosa dona de casa Kate Miller (interpretada por Angie Dickinson, então com 49 anos). Sexo matinal com o marido imbecil, uma visita ao psiquiatra mundano (Michael Caine), um momento de reflexão diante de uma pintura de Alex Katz do tamanho de um outdoor no Met, depois sexo à tarde com um estranho. De Palma ronda seu lado da câmera como um gato selvagem, misturando câmera lenta com flashes de terror para um efeito fascinante. Almoços com vinho branco e close-ups lânguidos de mãos folheando os Rolodexes de outras pessoas são combinados com emoções mais baratas: voyeurs de olhos redondos e prostitutas paranóicas, táxis barulhentos, um assassinato horrível no elevador de um prédio de apartamentos de luxo. Essa sequência de Hitchcock é aquela em que os nerds do cinema tendem a insistir, mas a cena final é aquela que achei mais difícil de abalar todos esses anos após minha primeira exibição.

O analista foi trancado em um manicômio, onde estrangula uma enfermeira, veste seu uniforme e encontra Liz Blake (Nancy Allen), a namorada de uma prostituta que está em sua vida dupla como um assassino travesti. Sentindo que algo está errado, Liz recua para um canto do chuveiro, o vapor se transformando em uma névoa espessa enquanto ela tenta pensar rápido. Todos nós já estivemos lá: sozinhos (ou assim pensávamos), indefesos, totalmente despreparados para o que está por vir, especialmente um maníaco desenfreado empunhando uma faca. Liz acorda suando frio. Afinal, ninguém cortou sua garganta. Mas ela ainda está gritando sobre o pesadelo alojado em sua cabeça, e com razão. Pergunte a qualquer analista. Lauren Mechling

Men

Jessie Buckley em Homens. Fotografia: Landmark Media/Alamy

O público ficou dividido quanto à alegoria de Alex Garland sobre os tentáculos históricos e em constante multiplicação da masculinidade tóxica, mas houve um amplo consenso de que os 20 minutos finais de Men são o final mais maluco do ano. (“400% a mais de nascimento do que o esperado”, diz uma revisão sucinta do Letterboxd.) Em Men, Jessie Buckley está lidando com um trauma recente em um fim de semana solo no interior britânico, onde ela encontra uma série de aldeões que se parecem estranhamente com Rory Kinnear. Mas a vibe pastoral de terror folclórico se torna sangrenta e horrivelmente grotesca no último ato, quando um homem nu que ela acredita ser um perseguidor dá à luz quatro versões de si mesmo no que Garland chamou de “uma sequência de nascimento rolante”. Inspirado por David Cronenberg, The Thing e An American Werewolf in London e fundamentado no fascínio de Garland com o Homem Verde e símbolos de fertilidade sheela-na-gig, o final – uma proeza de próteses e VFX – consegue ser gloriosamente gráfico e sangrento e intrigantemente enigmático (como evidenciado por numerosos artigos de reflexão). Ou pelo menos acho que sim, já que me recuso melindrosamente a assistir novamente. Lisa Wong Macabasco

The Vanishing

Johanna Ter Steege em The Vanishing. Fotografia: The Criterion Collection/Allstar

“Não pode ser isso”, disse minha amiga, com o rosto em um tom doentio de cinza, enquanto rolavam os créditos do pesadelo de pessoas desaparecidas do diretor holandês George Sluizer, simples e totalmente impiedoso, de 1988. Eu garanti a ela que sim. “Você não pode fazer isso. Isso não deveria ser permitido. O que devo fazer agora?

É a resposta natural à resolução simples e brutal desta história sobre um jovem assombrado pelo desaparecimento de sua namorada no ar uma tarde em um posto de gasolina à beira da estrada. Tendo rastreado, depois de vários anos, o homem com a resposta, ele disse que só pode experimentar o destino dela por si mesmo. Ele bebe uma xícara de café aromatizado. Ele acorda em um caixão no subsolo. Fin. É o maior de todos os finais de terror, jogando com o mais básico dos medos humanos, oferecendo não uma reviravolta, mas a mais óbvia e terrível de todas as respostas possíveis. É tão improvável que o próprio Sluizer só conseguiu inventar, cinco anos depois, em seu remake malfeito de Hollywood. O final feliz daquele filme não demorou um segundo na imaginação popular; o original niilista ainda nos atormenta. Guy Lodge

The Lodge

Riley Keough em The Lodge. Fotografia: Neon

O segundo longa-metragem da promissora dupla de terror Veronika Franz e Severin Fiala pula os sustos baratos em favor de uma construção lenta e cuidadosa de medo, profundidade psicológica e claustrofobia. Richard planeja levar seus dois filhos pequenos para uma casa isolada e coberta de neve para uma escapadela de férias com sua nova namorada, Grace. O problema é que os filhos de Richard responsabilizam Grace pelo suicídio de sua mãe seis meses antes. O problema ainda maior é que, quando criança, Grace foi a única sobrevivente de um suicídio em massa perpetuado por um culto religioso liderado por seu pai, e agora ela depende de medicamentos para controlar doenças mentais graves. Quando Richard deixa a pousada por alguns dias, as coisas começam a ficar estranhas entre Grace e as crianças.

Parte da estranheza do recurso de Franz e Fiala é que a moralidade de The Lodge é tão desesperadamente complicada: não podemos dizer quem é o verdadeiro vilão, pois há razões para simpatizar e culpar os filhos de Grace e Richard. À medida que as coisas se tornam mais difíceis, estranhas e desesperadas, o filme assume a inevitabilidade da tragédia e, mesmo quando seus eventos aparentemente paranormais são explicados, nunca abala a sensação de que um mal além da mera falibilidade humana está em jogo aqui. Tudo chega a um clímax febril e devastador e a um desenlace metódico e implacável que garante que The Lodge mande embora ainda segurando seu pior susto de todos. Veronica Esposito

Midsommar

Florence Pugh em Midsommar. Fotografia: Gabor Kotschy/AP

O filme de terror popular de 2019 de Ari Aster, Midsommar, faz uma jornada emocional misteriosa através da dor por meio de um ritual pagão sueco – sorrisos misteriosos e viagens de cogumelos, sacrifício humano em plena luz do dia, sangue e entranhas entregues em imagens assustadoras e fotos assustadoras. (AKA o limite superior do que eu, um gato assustado com medo de sangue, posso suportar.) Mas é a cena final, em que a órfã Dani (uma sempre magnética Florence Pugh) escolhe sacrificar seu cobertor molhado de um namorado Christian (Jack Reynor) por uma pessoa da aldeia selecionada aleatoriamente, que eleva o filme a um conto de fadas distorcido de catarse. Enquanto Christian, paralisado e costurado em um urso estripado, queima vivo, os aldeões se contorcem em desespero – ou é terror, alívio, êxtase? A cena final – o rosto de Dani, emoldurado por sua coroa de flores da Rainha de Maio, derretendo do horror para um sorriso – é um ponto de exclamação enervante. Várias mortes, um expurgo, uma nova família – é um final estranho e angustiante, de alguma forma ao mesmo tempo reconfortante e nauseante, que sela o filme sob sua pele. Adrian Horton

The Birds

Tippi Hedren em Os Pássaros. Fotografia: Entertainment Pictures/Alamy

Embora não seja exatamente um filme de terror em si, The Birds, de Alfred Hitchcock, é um dos filmes mais assustadores de todos os tempos, e isso significa que nunca consigo passar por um trepa-trepa infantil sem me encolher.

A primeira vez que vi o filme, lembro-me de ter ficado um tanto perplexo com a cena final, esperando que o elenco humano fosse submetido a um holocausto de bicos selvagens, garras rasgantes e penas de tornado. Mas, ao vê-lo novamente, percebi o quão miserável é a conclusão do filme: uma coda para o desmantelamento passo a passo da narrativa do verniz de civilização dos personagens e a queda em uma espécie de colapso psíquico comunitário. Enquanto os humanos espancados passam cuidadosamente pelos aviários vigilantes, mas tranquilos, fica claro que agora é o planeta deles e nós somos os perdedores. Pode ser o momento mais assustador que Hitchcock já colocou no cinema; é certamente o mais sombrio. André Pulver

Cam

Madeline Brewer em Cam. Fotografia: Netflix

As identidades virtuais e os recessos sombrios da existência online foram bem explorados em filmes de terror, assim como o conceito de doppelgangers. O filme de estréia do diretor Daniel Goldhaber atualiza o último ao fundi-lo com o primeiro, seguindo uma cam girl chamada Alice (Madeline Brewer) que aumenta seu público combinando nudez com estranheza e grotesco. “Eu cortei minha garganta ontem à noite… todo mundo no meu quarto adorou”, ela diz a uma amiga, depois de fingir seu próprio suicídio para subir na hierarquia de um site chamado FreeGirls.Live.

As coisas ficam muito estranhas quando Alice descobre que seu maior concorrente parece ser ela mesma: alguém ou algo que se parece exatamente com ela e está roubando seus fãs. A atmosfera tensa, inquieta e angustiada de Goldhaber vem à tona durante um final aterrorizante em que Alice desafia seu doppelganger virtual a imitá-la, sendo o prêmio (se não conseguir acompanhar) a senha de sua conta. Tudo o que a protagonista precisa fazer para vencer é bater com a cara na mesa e quebrar o próprio nariz – significando um sistema de recuperação de senha bastante brutal. Lucas Buckmaster

The Shining

Jack Nicholson em O Iluminado. Fotografia: AJ Pics/Alamy

O Iluminado é inabalável porque temos medo do que não entendemos. A fotografia em preto e branco com a qual o filme termina sela o acordo, deixando-nos implorando por respostas para perguntas que continuarão nos assombrando. É aquele Jack Torrance – o autor esforçado interpretado por um astuto Jack Nicholson – sorrindo na vanguarda da foto de meio século? O assassino empunhando um machado que acabamos de assistir perseguindo sua esposa (Shelley Duvall) e filho (Danny Lloyd) através do hotel Overlook de alguma forma foi consumido por esse ambiente assustador? Jack é uma reencarnação do homem na foto comemorando o 4 de julho com uma multidão abastada no baile de 1921? Ou ele era, como diz uma figura fantasmagórica, sempre o zelador do Overlook?

Ao adaptar o romance de Stephen King, Stanley Kubrick escolheu a violência, recusando qualquer lógica reconfortante, explicação ou sensação de encerramento. Tudo o que nos resta são boatos sobre crianças assassinadas e cemitérios indígenas; um legado cíclico de violência colonial e doméstica espalhando-se pelos corredores do Overlook. Quando O Iluminado termina, com aquela complicada imagem final em que a pompa do 4 de julho diminui um legado violento, a única coisa que entendemos é que Jack Torrance está congelado (no tempo?) enquanto o hotel que o levou ao assassinato (de novo?) permanece. . Radheyan Simonpillai

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